LA MUJER ARTISTA. EL MES DE LA MUJER Y EL ARTE
Han transcurrido miles de años de arte, miles de años,
"lo voy a repetir otra tercera vez, porque hay algunos que esto no lo acaban de entender":
miles de años.
No aparecían mujeres artistas en los libros de mis años universitarios y hoy apenas aparecen mujeres en los libros que educan a nuestros hijos.
Durante el mes de marzo he publicado diariamente en mi perfil de facebook una entrada sobre una mujer, generalmente una pintora, pero también realizadoras o escultoras entre otras.
No hay más intención que aportar mayor visibilidad hacia ellas; este es un pequeñísimo y humilde acto de recuperación, reconocimiento, estudio, verdad y justicia. Y a poder ser, a quien le sirva, de descubrimiento e iniciación. El asombro y la admiración están asegurados.
Estas son las publicaciones:
EL MES DE LA MUJER 01/03/19
Marzo es el mes en el que me tomaré un poco de tiempo para mirar al pasado y honrar los muchos logros de las mujeres en la historia del arte.
A finales del siglo XIX, no era muy común ver obras de arte de pintoras. La adquisición y el desarrollo de una educación oficial fue el principal problema de las mujeres, así como el posterior desarrollo de una carrera.
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| Louisa Ehrlerová. Telegrama. |
Louisa Ehrlerová vivió en Praga desde 1864; más tarde se casó con el pintor Heinrich Max, que la convirtió en la cuñada del famoso pintor Gabriel Max. Se vio influenciada, tal vez afectada, por el arte de los hermanos; las figuras que encontramos en sus pinturas son mujeres santas, madonnas y mujeres en situaciones de una vida tensa, difícil como la que se puede contemplar en esta obra: "Telegrama" de 1894. Galería Nacional de Praga.
EL MES DE LA MUJER 02/03/19
¿Has oído hablar de Rosalba Carriera antes? ¿No?
Rosalba Carriera es famosa por la distinción que le dio al retrato en colores pastel, tanto en Italia como Francia durante la primera mitad del siglo XVIII. Ninguna artista femenina disfrutó de mayor éxito ni ejerció más influencia en el arte de su época que Rosalba.
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| Rosalba Carriera. Una joven con un loro |
"Una joven con un loro" (1730 aprox.) es una combinación intrigante en lo que Carriera era una especialista famosa: retratos y alegorías.
La escena es ingeniosa, transfiere sutilmente el gesto provocativo de desnudar el pecho de una joven a un travieso pájaro. El rico colorismo y los efectos vaporosos hacen de esta obra uno de los mejores y más famosos retratos de Rosalba. El aura de gracia y seducción de esta imagen caracterizan las artes de gran parte del siglo, señalando a Rosalba como una de las creadoras del estilo rococó en Italia y Francia.
EL MES DE LA MUJER 03/03/19
La pintura de hoy pertenece a la colección de National Museum en Estocolmo.
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| Judith Leyster. Muchacho tocando la flauta |
Judith Leyster (1609 – 1660), una pintora de la Edad de Oro holandesa, nació en Haarlem. Su padre era propietario de una cervecería llamada Ley-ster (lode o guidestar) de la cual la familia tomó su nombre. Judith comenzó a pintar a una edad temprana, pero se sabe muy poco acerca de su desarrollo como artista. Según el poeta Samuel Amazing, trabajó con Frans Pieterszoon de Grebber. Si bien no se ha confirmado si trabajó con Frans Hals, su influencia en su trabajo es claramente visible. En 1633 se convirtió en la primera artista femenina admitida en el Gremio de San Lucas en Haarlem.
Se especializó en escenas de género de retratos, por lo general, de una a tres figuras, que generalmente exudan buen ánimo y se muestran sobre un fondo generalmente liso. Muchos son niños; otros presentan a hombres bebiendo. Leyster fue particularmente innovadora en sus escenas de género domésticas.
Esta pintura "Muchacho tocando la flauta" es una de las mejores y más importantes obras de Leyster. Probablemente se hace a principios de 1630. La composición es innovadora y el tema es una combinación de imagen de género, una naturaleza muerta y un retrato. En relación con la adquisición en 1871, la pintura fue atribuida a Frans Hals por Jan de Bray (a pesar del monograma). No fue identificada como una obra de Judith Leyster hasta 1893 por Hofstede de Groot.
La atribución errónea de sus obras a Molenaer puede haberse debido a que después de su muerte muchas de sus pinturas fueron inventariadas como "la esposa de Molenaer", no como Judith Leyster.
EL MES DE LA MUJER 04/03/19
Berthe Morisot (1841-95) fue una de las más interesantes artistas de entre todos los pintores del impresionismo, sus obras de arte abarcan la combinación de colores emocionantes, la investigación psicológica y pinceladas deslumbrantes. Es quizás la mejor de este movimiento junto a Sisley y Pissarro, Sí, una de los más grandes. Agregó una visión revolucionaria en aquel mundo de clausura de las mujeres burguesas, presentando ensayos superlativos de la luz y el color. Documentó esa vida tranquila y enclaustrada de mujeres y niñas de la clase media-alta francesa. Un ambiente donde el sol siempre brilla y los colores se ondulan y cambian a un caleidoscopio prismático.
La obra de Morisot es superlativa porque emplea el impresionismo en su vida doméstica con verdadera veracidad. El mundo privado de las mujeres es su tema.
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| Berthe Morisot. After Lunch. |
Parte de su trabajo es la apoteosis del impresionismo por su cuidadosa observación de la luz reflejada y refractada que se representa a través de una magnífica comprensión del color y el pigmento, tenía un genio intuitivo cuando se trataba de color.
A medida que su estilo evolucionó sus lienzos se convirtieron en sinfonías excitadas de color y pinceladas que no sólo atrapan el resplandor de la luz solar, sino que también predicen el expresionismo abstracto que evolucionaría unas cinco décadas más tarde.
Los críticos han intentado categorizar su trabajo por períodos. Sin embargo, una mujer del genio de Morisot no encaja en las etiquetas, por lo que es mejor evitar tales camisas de fuerza.
Los académicos no acertaron con Morisot hasta hace poco. Veían su trabajo como sentimental, permitiendo así que sus propios prejuicios coloreasen su visión (masculina). Fue citada como delicada y femenina, pero pinta las psique de sus niñeras con la precisión de un cirujano. Su filosofía era pintar la luz y disolver el color en partes como componentes para que el ojo los mezclara. Los críticos lo han descrito como pinceladas "plumatosas", pero eso es perder el foco, o desviar el objetivo.
Fue una excelente observadora, y comparte con nosotros la percepción de una mujer inteligente y burguesa en el siglo XIX de Francia. Aquí está la mujer como sujeto, no objeto.
Imagen: "Después del almuerzo".
EL MES DE LA MUJER 05/03/19
Leonora Carrington fue una artista inglesa que se inicia en el surrealismo acompañada de Max Ernst, muy joven, a los veinte años.
Se consideraba más que surrealista por haber sido compañera de Max Ernst, defensora de los derechos de la mujer: "Aunque me gustaban las ideas de los surrealistas, André Bretón y los hombres del grupo eran muy machistas. Solo nos querían a nosotras como musas alocadas y sensuales para divertirlos, para atenderlos".
Junto a Ernst tuvo una vida tranquila y feliz hasta la llegada de los totalitarismos fascistas en Europa. En septiembre de 1939 Max fue declarado enemigo del régimen de Vichy. Tras esta detención y prisión se dice que Leonora sufrió una "desestabilización psíquica". Ante la inexorable invasión nazi, se vio obligada a huir a España y por gestión de su padre fue internada en un hospital psiquiátrico de Santander. Después desarrolla gran parte de su vida y obra en México.
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| Leonora Carrington. El mundo mágico de los mayas. |
Esta obra "El mundo mágico de los mayas" plasma una escena muy común en las comunidades mayas, rescatando diversos aspectos del mundo precolombino como la medicina tradicional, la religión, la astronomía, y la relación del hombre y las diversas fuerzas que rigen su entorno natural.
Falleció a los 94 años en la Ciudad de México el 25 de mayo de 2011, y fiel a su aversión a los periodistas, fue enterrada en el Panteón Inglés, sin fotógrafos.
EL MES DE LA MUJER 06/03/19
Remedios Varo nunca regresó a España.
Exiliada política en México, se naturaliza mexicana. De nuevo, este país hermano acoge a nuestros más ilustres artistas, con la llegada de los nazis a la capital francesa. Perteneciente a la más sobresaliente, añorada y desperdiciada generación cultural que ha dado este país, la del 27, Remedios destaca como pintora surrealista, escritora y artista gráfica.
Ya en su país de acogida, desarrollaría con plenitud el estilo y la personalidad artística con los que alcanza el reconocimiento al conjunto de su trabajo pictórico tanto en tierra latinoamericana, como estadounidense.
¿Una sola palabra para definir su obra y personalidad?
LIBERTAD
OBRA: El mensaje
¿Pero qué es esto...? ¿Pop? ¿Surrealismo? ¿Dadá?
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| Remedios Varo. El mensaje. |
En la convulsa década de los años 30, Remedios Varo realizó una serie de interesantísimos fotomontajes. La artista española se había integrado a la perfección en el núcleo duro del círculo surrealista parisino, y era habitual que en las reuniones jugaran con cadáveres exquisitos, que consistían en crear muchas imágenes a partir de una inicial. «A las sorpresas de la colaboración a ciegas se unían las alegrías del collage. Recortábamos en viejas revistas personajes, objetos, animales… que pegábamos en hojas de papel, y cada participante, tras esconder su propio collage, pasaba la hoja al siguiente colaborador».
Los fotomontajes de Remedios en concreto eran delirantes collages que mezclan disparates con imágenes enigmáticas, dando lugar a universos extrañamente coherentes, narrativas que pueden llegar a ser descifrables.
Es como en "El mensaje"… Aquí vemos el desnudo de una pin-up de los años 30 que nos mira sonriente, situada junto a un colorido plato de comida... No sabemos cual es el mensaje del título, pero al menos hay uno. Todo el conjunto adquiere sentido si lo observamos con los códigos que rigen los sueños y el inconsciente.
Fuentes: Marcel Jean, Au galop dans le vent, Ediciones Jean-Pierre de Monza. e historia-arte HA!
EL MES DE LA MUJER 07/03/19
Lita Cabellut nació en 1961 en Sariñena, Huesca, vive y trabaja en los Países Bajos. Se comenta que creció como una niña de la calle en Barcelona hasta que fue adoptada a la edad de doce años. Pero también se comenta que esa lacrimógena historia no es más, ni menos, que un producto de mercado televisivo, un producto artístico creado desde el marketing sin que la calidad artística intervenga en el proceso.
Lo cierto es que a partir de aquellos doce años conoce a los maestros españoles del Museo del Prado, después de lo cual dedicó su pasión al arte. Lita Cabellut tuvo su primera exposición a la edad de 17 años y se mudó a Holanda a la edad de 19 años, donde estudió en la Academia Gerrit Rietveld en Ámsterdam.
Lo cierto es que a partir de aquellos doce años conoce a los maestros españoles del Museo del Prado, después de lo cual dedicó su pasión al arte. Lita Cabellut tuvo su primera exposición a la edad de 17 años y se mudó a Holanda a la edad de 19 años, donde estudió en la Academia Gerrit Rietveld en Ámsterdam.
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| Lita Cabellut. Elisabeth (2017) |
A lo largo de los años, Cabellut ha desarrollado una técnica única caracterizada por lienzos a gran escala que combinan técnicas tradicionales de frescos y aplicaciones modernas de pintura al óleo.Su paleta crepitante y singular le da un aspecto vital único a sus retratos de los habitantes de la calle, las prostitutas, personas religiosas, personajes históricos, personajes de ficción y personas influyentes.
El tema central de su obra es 'lo humano' y los mensajes sociales que Lita Cabellut comunica en su trabajo se expresa principalmente a través de las pinturas. Sin embargo, más allá de sus afamados retratos monumentales, Cabellut es también una artista multidisciplinaria cuyos trabajos incluyen videoarte, poesía visual, escenografía, dibujos, instalaciones y esculturas.
¡Ah! y es uno de los artistas contemporáneos más cotizados del mundo. Que lo sepas.
EL MES DE LA MUJER 08/03/19
8 DE MARZO
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Autorretratos de mujeres artistas desde el siglo XVI hasta el XX
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¿Cuántas artistas puedes citar? Han transcurrido miles de años desde el comienzo del arte, miles de años; "lo voy a repetir otra tercera vez, porque hay algunos que esto no lo acaban de entender": Miles de años.
Pero apenas aparecen mujeres artistas en los libros de texto que educan a nuestros hijos.
EL MES DE LA MUJER 09/03/19
«Os aseguro que alguien se acordará de nosotras en el futuro».
Safo de Mitilene s. VII-VI a. C.
Pintura romana mural al estuco, siglo I d.C.
EL MES DE LA MUJER 10/03/19
Maria Katarina Wiik nació el 3 de agosto de 1853 en Helsinki (Finlandia), en el seno de una familia de clase alta de habla sueca. Sus padres, un arquitecto y la hija de un profesor finés, la alentaron a seguir una educación artística. Perteneció a una de las primeras generaciones de mujeres artistas profesionales de Finlandia. Con 21 años, la aceptaron en Suomen Taideyhdistys, la escuela de la Asociación de Arte Sueca. Pero Finlandia no era suficiente: entre 1875 y 1880, estudió en la Académie Julian de París.
Los retratos son el legado más impresionante de Maria Wiik. Pasó la mayor parte de su vida profesional practicando su técnica en este estilo. Resultado de sus prolongadas estancias en París, su estilo se vio claramente influido por el realismo francés. En la década de los 80, en la cúspide de su carrera, se convirtió en una de los retratistas más conocidos de Finlandia y muchos deseaban que les retratara, por ejemplo, el publicista Berndt Otto Schauman, el autor Zacharias Topelius, la cantante Ida Basilier-Magelsen o el profesor Viktor Ferdinand Brotherus.
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| Maria Katarina Wiik. Salida al mundo |
En 1900, fue premiada con la medalla de bronce en la Exposición universal de París, un hito de su carrera. La obra ganadora “Ut i världen” (“Salida al mundo”) de 1899 está considerada su obra maestra. Esta pintura muestra a dos mujeres en un interior; una de ellas, sentada ante una mesa, levanta la vista de un libro y contempla cómo su compañera se ajusta el vestido antes de salir.
EL MES DE LA MUJER 11/03/19
Cuando te pidan citar a una mujer artista, posiblemente sea su nombre el que recuerdes.
"Pensaron que yo era surrealista, pero no lo fui. Nunca pinté mis sueños, solo pinté mi propia realidad". Frida Kahlo.
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| Frida Kahlo. Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos |
Frida acompañó a Diego en su aventura artística por Estados Unidos durante la década de los 30. Nostálgica por su país, Frida pintó este cuadro en 1932, en el que muestra sus sentimientos encontrados hacia Estados Unidos, y se mantiene el centro de la imagen como si fuera una estatua en un pedestal entre mundos diferentes. Sostiene una bandera mexicana a su lado derecho, en el que hay múltiples alegorías a México: colores naturales, plantas, pirámides y piezas prehispánicas. A su lado izquierdo, símbolos de Estados Unidos: colores grises, la bandera estadounidense, una gran fábrica y los rascacielos. En el pedestal se lee "Carmen Rivera pintó su retrato el año de 1932"; Carmen era el nombre de bautismo de Frida.
EL MES DE LA MUJER 12/03/19
Si solo sabes citar una o dos mujeres artistas, considera nombrar y conocer este:
Artemisia Gentileschi.
Artemisia Gentileschi.
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| Artemisa Gentileschi. Autorretrato como alegoría de la pintura. |
Porque es imprescindible, porque no se entendería el arte tal y como hoy lo conocemos, interpretamos, estudiamos y admiramos.
Su vida y obra son conmovedoras; abruman y no dejan indiferente. Tu visión de la historia del arte, de la pintura y la mujer cambiarán para siempre. Ahí es nada.
EL MES DE LA MUJER 13/03/19
Artistas en Internet. Karen Tarlton es una artista californiana coleccionable. Ha conseguido monetizar su arte y vivir de ello cómodamente. Sus obras cuelgan en las paredes de muchos hogares de Europa y Estados Unidos, tiene una aceptable presencia en los medios digitales, aunque discreta. Hay que buscarla un poco más de lo normal -no, aún no está en wikipedia- para acabar navegando por una tienda online, su propio blog o tableros de Pinterest. ¿SEO Inteligente?
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| Karen Tarlton |
"Mi trabajo me consume, me identifica y me mantiene fuera de problemas". Ideales para el salón, el comedor o el cuarto de invitados. Van Gogh Style.
EL MES DE LA MUJER 14/03/19
UNA JOVEN AUTORA.
Rozi Demant – “The Piano”
Tímida y solitaria, cuando se le pide que hable sobre su trabajo, se muestra reservada. Su trabajo es profundamente personal. La única protagonista femenina en sus pinturas tiene un sorprendente parecido con la artista: no se puede ignorar que sus pinturas son un posible reflejo de sí misma. "Hablar de mis pinturas es como si me estuviera exponiendo demasiado a mí misma, esto es algo que no puedo y no haré". Insiste en que, aunque su trabajo es altamente simbólico, quiere que los espectadores interpreten su significado por sí mismos. Al igual que las pinturas surrealistas de Picasso, Dalí y Magritte (a quienes cita como inspiraciones), casi todo queda en manos de la imaginación y el subconsciente.
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| Rozi Demant. El Piano |
Aunque en su apariencia las mujeres surrealistas de Demant advierten a Modigliani, viven en la oscuridad, la opulencia y los mundos de fantasía. Cada vez más detallista y madura en cada nuevo trabajo, siempre erótico y burlesco, también es más abiertamente sexual. Mujeres de infinitas piernas se muestran desnudas o con fina lencería 'vintage' rodeadas de una gran simbología representada con jaulas vacías, flores, murciélagos, cuervos, flamencos o paraguas. Son escenas donde la mujer aparece frágil y hermosa pero solitaria e inalcanzable. La sangre y algunos elementos 'bondage' también hacen acto de presencia en estas bellas y oscuras imágenes que Demant nos presenta en pinturas llenas de dulzura y decadencia a la vez.
Rozi Demant nació en Nueva Zelanda en 1984. De formación autodidacta causó no poca controversia en su país por ser una de las pocas artistas capaces de vender su obra en sus cinco primeras exposiciones individuales antes de cumplir los 24 años. Su primera exposición y venta la realizaría en el 2002 con tan solo 17 años. Sus creaciones son un continuo viaje a través de un mundo de fantasía y escenarios de ensueño que se ajusta libremente en el género de Pop Surrealista.
EL MES DE LA MUJER 15/03/19
¿Quién fue la primera artista?
Contestar esta pregunta es tan infructuoso e imprudente como resolver datar el primer artista. Pero ese rol de "mujer artista", estaba mal visto, no procedía, no se permitía su reconocimiento hasta el Renacimiento, por lo que en la mayoría de los casos fueron artistas rechazadas y olvidadas. Es más, fue en el siglo XVIII cuando se les permitió tratar líbremente la temática paisajística, pues tan solo podían pintar retratos y bodegones.
Decíamos que fue en el Renacimiento cuando empezaron a darse tímidas apariciones de artistas féminas, y por supuesto en Italia. La gran mayoría de ellas consiguieron hacerse un hueco dentro del ámbito artístico y no precísamente formándose en una Academia como el resto de los artistas, pues esta no permitía el acceso a las mujeres, así que o tenían un familiar artista o un amigo que le vinculase con el mundo de las Bellas Artes.
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| Sofonisba Anguissola. Autorretrato, 1556 |
Sofonisba Anguissola (1530 – 1626) Quédate con este nombre, posíblemente es la primera mujer pintora del Renacimiento a la que le fue reconocida su faceta artística.
Ya con 14 años, su padre, al ver su talento, le envió al taller de Bernadino Campi, y posteriormente con Bernandino Gatti, ambos artistas locales, con los que pudo perfeccionar el género del retrato, así como la pintura religiosa. El simple hecho de estudiar con otros pintores, sirvió de precedente para otras muchas mujeres al ser aceptada como una estudiante de Bellas Artes.
En 1554 viaja a Roma, y tuvo la suerte de poder conocer al
gran Miguel Ángel. Y aunque no trabajo con él directamente, se benefició de sus consejos y orientación sobre todo en el retrato. Los nuevos estilos aprendidos ayudaron a perfeccionar aún más dicha temática, contando con la colaboración de su familia que fueron los principales protagonistas de sus lienzos.
gran Miguel Ángel. Y aunque no trabajo con él directamente, se benefició de sus consejos y orientación sobre todo en el retrato. Los nuevos estilos aprendidos ayudaron a perfeccionar aún más dicha temática, contando con la colaboración de su familia que fueron los principales protagonistas de sus lienzos.
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| Sofonisba Anguissola. Felipe II, |
Este retrato de Felipe II es una de las imágenes más elaboradas de Sofonisba, quien lo pintó en 1565, cuando el monarca estaba casado con la reina francesa, si bien lo retocó después en 1573 para hacerlo emparejar con el de su cuarta esposa, Ana de Austria. La radiografía de la pintura nos muestra que, inicialmente, el rey se cubría con un voluminoso bohemio y la mano derecha sobre el pecho, señalando al Toisón. La intervención posterior en la pintura no representó cambio alguno en cuanto a la cabeza del Rey, pues sin duda éste quedó satisfecho por la juventud y serena distancia con que fue pintado en 1565.
EL MES DE LA MUJER 16/03/19
"¡Es un escándalo!" "¡Estamos conmocionados!" "¿Cómo se atreve?". Un periodista contemporáneo escribió “una afectación que artistas, conocedores y gente de buen gusto condenaron unánimente”.
Esto se oía en aquel salón de París. Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun pintó y presentó un autorretrato donde luce una expresión con sus labios separados en una sonrisa recatada (no era una idea nueva); acunando a su hija pequeña, irradiando intimidad materna. Ambas están vestidas con vestidos de gasa blanca que sugieren una identidad compartida.
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| Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun. Autorretrato con su hija |
Élisabeth nació en 1755 en París, hija y alumna de Louis Vigée e influida por Jean-Baptiste Greuze, adquirió una notable celebridad entre la aristocracia europea de su tiempo, que apreciaba su estilo artístico con retratos al óleo y al pastel usando pinceladas sueltas, colores frescos y brillantes.
Élisabeth ensalzaba con su maestría el gusto y moda de aquella élite social del XVIII por retratarse con motivos mitológicos o pseudo-mitológicos y a veces altamente eróticos. Fue pintora oficial de María Antonieta, pero emigró a otras cortes europeas en el momento de la Revolución. Regresó a Francia en 1802, y en 1810 cesó en casi toda su actividad para consagrarse a la pintura de paisaje y a la redacción de sus memorias.
EL MES DE LA MUJER 17/03/19
Helena de Egipto.Helena es una de las primeras mujeres pintoras mencionadas en la Historia del arte. Vivió en el siglo IV anterior a nuestra era. Hija y discípula del artista Timón de Egipto, realizó una pintura de la Batalla de Issos, el encuentro entre Alejandro Magno y Darío III de Persia; posíblemente en la plenitud de su producción artística (entre 319 a.C y el 297 a.C).
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| Fotograma de «Alejandro Magno» (2004) Ptolomeo I, que era interpretado por Anthony Hopkins, contempla la "batalla de Isos" |
El famoso mosaico pompeyano copia concretamente aquella pintura. (¡Cómo recuerda al Velázquez de Breda!). Este mosaico habría sido exhibido en la época del emperador Vespasiano (69-79 d.C.) en el Templo de la Paz (Foro Vespasiano) en Roma, lo que nos indica la extraordinaria importancia de la obra.
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| Batalla de Isos. Mosaico. Pompeya. |
EL MES DE LA MUJER 18/03/19
Eso de ser "VANGUARDISTA" en el arte no es un asunto fácil de lograr. Una Vanguardista no experimenta o presume de un estilo propio partiendo de nada. Es una creadora que ha estudiado la tradición del arte para poder marcar una ruptura firme que le permita ser líder de un nuevo movimiento. En ese sentido, nuestra creadora de hoy tuvo el suficiente valor y formación para lograrlo, una artista integral llena de convicciones lo suficientemente fuertes para convertirse en un autentico icono del arte del siglo XX.Natalia Goncharova es considerada una de las artistas femeninas mejor valoradas en el mundo del arte.
Emblemática. Pionera. Mujer de la vanguardia rusa. Y es que a comienzos del siglo XX, Rusia vivió un renacimiento cultural sin precedentes en el que las mujeres tuvieron un papel preponderante: la conocida como vanguardia rusa contó con una participación femenina no solo muy numerosa, sino también extremadamente activa y relevante.
Nacida en una familia de la alta burguesía rural y biznieta de Alexander Pushkin, se crió en una granja de la provincia de Tula y, en 1898, comenzó sus estudios en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Allí conoció a Mijaíl Lariónov, que se convertiría en su compañero, tanto en lo artístico como en lo personal, hasta el final de su vida. Ambos fundaron el movimiento llamado rayonismo, un movimiento donde el artista da vida a obras bajo el impulso de trazos rítmicos y arbitrarios. «El rayonismo es una síntesis de cubismo, futurismo y orfismo».
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| Natalia Goncharova. El bosque. 1913. Óleo sobre lienzo. |
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
EL MES DE LA MUJER 19/03/19
¿Se puede hacer arte del trauma? Louise Bourgeois pudo.Con las palabras uno puede decirlo todo. Puedes mentir sin parar, pero en cambio, al recrear la experiencia no es posible que mintamos. A menudo el propósito de las palabras es el de ocultar. Sin embargo, ella quería disponer de una evocación completa y un control total del pasado. Por ello, ¿qué sentido tendría mentir?
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| Louise Bourgeois. Maman |
"...Tanto el paraguas con su armazón y la araña zancuda, que forman un arco sobre el niño como 'el mundo entero que gira', son descubrimientos que el niño hace de un dios de muchas facetas que está dentro de él, lo que despierta la capacidad de sobrecogimiento (miedo y atracción) que consuma su naturaleza humana como hacedor de símbolos. Porque el símbolo artístico no es solo un código significante, que representa algo que pueda traducirse de otra forma, sino un todo mayor que la suma de sus partes. El artista está al servicio de su 'Idea subyacente' y la captura de manera formal, a fin de que permanezca disponible para los espectadores del futuro..."
El niño, el contenedor, y el claustro: la vocación artística de Louise Bourgeois, por Meg Harris Williams.
EL MES DE LA MUJER 20/03/19
Zaha Hadid (Bagdad, 1950 - Miami, Estados Unidos, 2016) Arquitecta iraquí, es una de las principales figuras de la arquitectura contemporánea mundial.Sus obras usan volúmenes livianos, formas puntiagudas y angulosas, juegan con la luz y se integran con el paisaje.
Su nombre comenzó a asociarse al deconstructivismo, tendencia arquitectónica surgida a finales de los 80 que tuvo como referencias teóricas el constructivismo de Vladimir Tatlin y la metodología deconstructiva del filósofo francés Jacques Derrida. Arquitectos como Philip Johnson, Peter Eisenman, Frank O. Gehry, Rem Koolhaas y la misma Zaha Hadid quedaron vinculados de uno o otro modo a esta corriente, que pronto reveló su escasa cohesión y su naturaleza heterogénea y efímera.
EL MES DE LA MUJER 21/03/19
INSTALACIONES -o cuando la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales-."El problema del caballo" fue la propuesta de Claudia Fontes para el Pabellón de Argentina en la Biennale Arte 2017.
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| Claudia Fontes. El problema del caballo. |
La obra de Fontes puede verse como una pregunta abierta sobre las posibilidades de revertir las múltiples manifestaciones de la colonización. Al subrayar cómo los destinos de las especies humana y equina han sido entrelazados por la explotación desde el mismo momento en que domesticamos los caballos.
El problema del caballo ofrece un relampagueo para reinterpretar la historia de modo diferente, una oportunidad de construir una narrativa alternativa para nuestro futuro como especie.
Aquello que la artista busca con su obra es generar un espacio de sensatez en medio del circuito vertiginoso e irracional del capital, un espacio de sensatez que consistiría, por ejemplo, en preguntarse hasta dónde es posible el silencio. Hoy, todo un acto político.
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| Claudia Fontes. El problema del caballo. |
EL MES DE LA MUJER 22/03/19
Yayoi Kusama (1929) es artista y escritora japonesa, precursora de los movimientos del arte pop y minimalismo entre otros, y su aportación merece un estudio más profundo como para nombrar aquí movimientos, estilos y corrientes en una simple yuxtaposición.Voy a destacar que Kusama lanzó HAPPENING en 1965.
-Y podríamos asegurar que es toda experiencia que parte de la secuencia provocación/ participación/ improvisación-.
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| Yayoi Kusama. Happennig. |
Los lunares son su marca registrada y la obliteración de aquellos su seña de identidad.
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| Kussama Dress, colaboración con Louis Vuitton. |
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| Kusama |
Hoy en día su trabajo se encuentra en las colecciones de algunos de los museos más importantes del mundo como el Museo de Arte Moderno Y Contemporáneo de Nueva York, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Walker Art Center, en Minnesota, Phoenix Art Museum, en Arizona Estados Unidos, el Tate Modern de Londres, el Museo Stedelijk de Ámsterdam, Centre Pompidou en París y el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokyo.
EL MES DE LA MUJER 23/03/19
"Nadie podría imaginar ... que alguien se tomaría tiempo para sentarse y simplemente participar en una mirada mutua conmigo" ... "Fue una completa sorpresa ... esta enorme necesidad de los humanos de tener contacto".La vida de Marina Abramovic (1946) es su Arte y quizá nunca encontremos una determinación tan asombrosa para explorar los límites del arte a través de su cuerpo y los límites del cuerpo mismo a través del dolor y la fatiga.
Para Marina Abramovic la PERFORMANCE es un acto chamánico -aquel que diagnostica y cura el sufrimiento del ser humano, y en algunas sociedades, la capacidad de causarlo-.
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| Marina Abramovic y Ulay, escenifican la performance «El artista está presente» |
Convengamos que la performance es una acción artística, una muestra escénica que genera una reacción, generalmente ligada a los problemas de la sociedad actual.
"Un acto donde la enorme cantidad de energía vital liberada exorciza el alma". Su relato es de una honestidad conmovedora, una vida movilizada por el amor al arte y por el desarrollo del ser a través de éste.
A través de años de trabajo y exploración ha desarrollado un método personal que transmite a otros artistas como, por ejemplo, Lady Gaga.
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| Marina Abramović, Retrato con Escorpión (Ojos cerrados) (2005) y la obra de Venus de Lady Gaga (2013) |
Fueron pioneros de este género Bruce Nauman o Joseph Beuys y durante el año 2005 retoma sus performances clásicas, reinterpretadas como 'Seven Easy Pieces'. En el año 2010, el MoMA The Museum of Modern Art le dedica una copiosa retrospectiva a toda su carrera como reconocimiento a la trayectoria profesional que lleva a cabo desde sus inicios (En la imagen).
"Entendí que ... podía hacer arte con todo ... y lo más importante es el concepto", relata. "Y este fue el comienzo de mi performance art. Y la primera vez que puse mi cuerpo delante de [una] audiencia, entendí: este es mi medio de comunicación".
EL MES DE LA MUJER 24/03/19
Carmen Laffón, Sevilla, 1934, es pintora formidable, nuestra hija predilecta, educada y miembro en la institución artística de más larga trayectoria y mayor vigencia cultural en España, y aún hoy se hace más querida y distinguida como escultora.
Puedes ver en su obra un prolongado viaje a lo largo del Guadalquivir, desde la ribera de La Cartuja, cuando aún era terra ignota, hasta su llegada al mar en Sanlúcar de Barrameda.
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| Carmen Laffón. Coria del Río. 1983-1985 |
"Su técnica impresionista buscó siempre un intimismo expresivo" dicen algunos autores, yo creo que representa el mundo que le rodea con una gran delicadeza de tonos, de mano afectiva, cordial, cálida, elocuente y cariñosa. No hay quien duda en afirmar que su obra, especialmente sus vistas del coto de Doñana, son un prodigio de depuración estilística y de intensidad estética.
Si deseamos encasillarla, correspondería como punto de partida, a las vanguardias de posguerra española (1940-1959) y particularmente, Pintora Figurativa desde los años 50.
EL MES DE LA MUJER 25/03/19
La FOTOGRAFÍA artística es hoy un 'arte más', al igual que el pincel y el lienzo, es una herramienta de expresión donde la idea expuesta es más importante que la propia obra, los aspectos formales o los alardes técnicos o compositivos.
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| Ana Casas Broda. Kinderwunsch (un término alemán que combina las palabras niños y deseo). |
Ana Casas Broda Nació en Granada en 1965, de madre austriaca y padre español, pasó sus primeros años entre estos países. En 1974 marcha con su madre a vivir a México D.F. Estudió fotografía, pintura e historia, dedicándose a la primera desde 1983. Es además escritora, editora y docente entre otras actividades. Su obra gira en torno a su propia autobiografía, la construcción de su identidad.
Le interesa trabajar con las vivencias desde la frontera entre la cotidianidad y las acciones que se realizan para la cámara.
Entiende la fotografía como una forma vital de intervención en la realidad, como un espacio que devela aspectos esenciales de las relaciones.
Le fascina el umbral entre la realidad y su imagen en el que se mueve la fotografía, ese enigmático espacio que elude las interpretaciones, singular para cada espectador.
Destaca su trabajo 'Kinderwunsch' un proyecto desarrollado desde 2006. "...es un libro donde textos y fotos construyen una narración que explora la complejidad de la experiencia de la maternidad y de la relación entre mis dos hijos y yo."
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| Ana Casas Broda. Exposición Kinderwunsch |
La artista explora con sus fotografías los conceptos de cuerpo y maternidad generando una profunda reflexión sobre la experiencia de ser madre. ‘Kinderwunsch’ es un término alemán que hace referencia a la unión de las palabras niños y deseo; al deseo de tener hijos, de lograr un embarazo o de la infertilidad.
El libro fue publicado en español, inglés y alemán. En mayo de 4014 el libro Kinderwunsch recibió el segundo premio al libro mejor editado del 2013 del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en España. Actualmente, se presenta como exposición.
EL MES DE LA MUJER 26/03/19
En los inicios del 7º ARTE en España unas mujeres decidieron ponerse tras la cámara en unas circunstancias y en un medio que no les iban a ser favorables; sus carreras en el cine, se desarrollaron con diferente fortuna.
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| Cineastas españolas |
El CINE ha desenfocado la realidad de las mujeres, al crear imágenes femeninas estereotípicas en la pantalla y, a la vez, olvidando, cuando no borrando, de la historiografía su presencia en el campo de la realización. Es obvio devolverles el enfoque, que tiene que ver con los sujetos femeninos auténticos y rescatando la obra de al menos cuatro generaciones de realizadoras, desde participaciones en los comienzos del séptimo arte, hasta las cineastas de la actualidad que han formado CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, puesto que, a lo largo de toda la historia del cine, las mujeres han sido en la mayoría de los casos excluidas o discriminadas de esta industria.
En esas cuatro generaciones se encuentran las “precursoras” en los orígenes de la historia de cine, las “pioneras” que trabajaron durante la guerra y el franquismo, las “progenitoras” de la Transición, y sus “herederas”, las cineastas actuales.
Algunos nombres imprescindibles:
EL INICIO: Carmen Pisano, Anaïs Napoleon, Beatriz Azpiazu, Elena Jordi y Helena Cortesina —cuya obra está perdida hasta la fecha— .
EL CINE SONORO: Rosario Pi Brujas, Margarita Alexandre y Ana Mariscal.
LA TRANSICIÓN: Cecilia Bartolomé, Josefina Molina y Pilar Miró.
CINEASTAS CONSOLIDADAS: Isabel Coixet, Icíar Bollaín e Inés París.
Fuentes:
Varios Cine Español.
Desenfocadas de B. Zecchi.
EL MES DE LA MUJER 27/03/19
Abordar brevemente la figura de la escultora Camille Claudel debe incluir que nació escultora, que modelaba en barro en su niñez, que Rodin se acercaba a su estilo antes de que se conociesen, y que fundieron sus talentos en la obra de aquel sin que podamos distinguir claramente, en el proceso creativo de las esculturas, quién hizo qué. Debe incluirse su apasionada y trágica historia de amor y odio, con Rodin y Debussy; debe incluirse sus 30 años de internamiento en un centro psiquiátrico por "prescripción familiar" y permanecer en este a pesar de "haberse curado".
Y no debe olvidarse que destrozando gran parte de su obra no pudo evitar ser artista indispensable e irreemplazable en la historia del arte.
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| Camille Claudel. Sakountala, 1886-1888 |
Con esculturas del sentimiento, de lo existencial, de composición dinámica y en desequilibrio, llevó lo más lejos que pudo el estudio realista, llegando a esculpir con esmero para volver contra Rodin lo que este le había enseñado.
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| Camille Claudet. La Vague. |
Impresionismo, simbolismo, realismo expresionista... tienes mucho donde elegir, reconocer, admirar y hasta reverenciar, porque la escultora, como tantas otras mujeres artistas -anónimas o no- no pudo conseguir en vida el reconocimiento que merecía.
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| Camille Claudel. L´âge mûr, 1902 |
EL MES DE LA MUJER 28/03/19
Francesca Caccini – La primera compositora de ÓPERAS de la historia –.
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| Francesca Caccini por Palma el Viejo. |
La MÚSICA culta ha sido un coto privado y exclusivo para hombres a lo largo de la historia, prueba de ello es la escasa información que tenemos acerca de compositoras en este ámbito. Un olvido premeditado.
Gracias a estudios recientes, no demasiado abundantes, se ha conseguido rescatar del silencio figuras femeninas representativas del mundo musical que fueron excluidas deliberadamente de los libros de historia, y de las que no se ha hablado hasta bien entrado el siglo XX.
En España, la Asociación de Mujeres en la Música fundada por la compositora Mª Luisa Ozaita, surgió para apoyar y promover los estudios musicológicos sobre mujeres y rescatar figuras históricas relevantes.
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| La intérprete de laúd de Orazio Gentileschi. Presumiblemente un retrato de Francesca Caccini |
Francesca Caccini (1587-1640). Pocos años después del estreno de L’Orfeo de Monteverdi, 1607, ya había una mujer que las componía, se trataba de Francesca Caccini, hija del cantante y compositor Giulio Caccini. Francesca, que también escribía, fue, como sus padres y su hermana Settimia, cantante afamada y virtuosa, en 1604 Enrique IV de Francia, impresionado por su arte, no pudo hacer nada frente a los florentinos para que se quedara en su corte, era conocida como la "Cecchina", y tiene el honor de haber compuesto una de las primeras óperas que se representó fuera de las fronteras italianas: La liberazione di Ruggiero dall’isola d’ Alsina (1625). Escribió cinco óperas, cuatro de las cuales se han perdido (solamente ha sobrevivido La liberazione di Ruggiero). Igualmente compuso obras religiosas, seculares, vocales e instrumentales. La única colección que perdura es una publicación de 1618, Il primo libro delle musiche.
EL MES DE LA MUJER 29/03/19
"El Verdadero Femenino.
No soy lo dulce ni lo picante ni todas las cosas bonitas. Soy música. Soy arte. Soy una historia. Soy una campana de una iglesia que suena en las noches, buenas y malas y en las normales. Fui un bebé. Soy una niña. Seré madre. No me importa ser considerada hermosa, no permito que eso me defina. Soy un fuerte y rico pastel con conocimiento. No me comerán”.
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| Sylvia Plath, El verdadero femenino. Poema. |
Una niña de ocho años escribió hace poco este precioso poema en favor de la mujer. Su identidad permanece acertadamente en el anonimato, siendo bautizada como la "Sylvia Plath de la Generación Z",
La DECLAMACIÓN es una de las 7 artes, es un arte escénico, y simplificando diré que es la interpretación de un poema. No encuentro hoy mejor texto para tal artístico propósito.
EL MES DE LA MUJER 30/03/19
A través de la sinergia del intelecto, el arte y la gracia surgió la bendición de una bailarina. Todo en el universo tiene ritmo. Todo baila. Déjenos leer, y déjenos bailar; estas dos diversiones nunca harán ningún daño al mundo. Deberíamos considerar perdidos los días en que no hemos bailado al menos una vez. Cuando bailas puedes disfrutar el lujo de ser tú mismo. Una bailarina baila porque su sangre baila en sus venas.
la DANZA fue una de las primeras manifestaciones artísticas de la historia de la humanidad. Y se data el nacimiento del ballet entre 1400-1600 en el renacimiento italiano.
Anna Pavlova (1882-1931) es una figura mítica del ballet clásico, sigue siendo tan recordada como admirada. Aparece siempre en todas las listas confeccionadas como la número uno. Fue una de las primeras grandes damas del ballet, y de su trayectoria profesional destacan tanto sus interpretaciones como el afán por llevar este tipo de danza a cualquier rincón donde se apreciara.
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| Anna Pavlova |
EL MES DE LA MUJER 31/03/19
Hoy se cumplen mis 31 publicaciones de mujeres artistas. No quiero dejar de incluir a las onubenses. Todas lo son, no todas están:
María Hierro, Fabiola Moreno, Julia Fuentesal, Chata Terrades, Francisca Alfonso, Ana Rovira, Eveline Rodríguez, Ana Feu, M. Ángeles Segovia, Cecilia Gilabert, Mariché, Alicia Romano, Lola Guzmán, Carmen Bayo, Asun Leiva, Bella Segovia, Rocío López Zarandieta, Rocío Garrido y Rocío Lozano entre otras.
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| La mujer Tiburón de Rocio Lopez Zarandieta |
La mujer Tiburón de Rocio Lopez Zarandieta. He querido cerrar el mes de la mujer con una imagen potente, con una fuerza tremenda; una denuncia de género absolutamente necesaria, reclamando el protagonismo creador de la mujer en el arte.
¿Dónde encontrar Arte en Huelva?
La ciudad cuenta con salas institucionales de carácter público: Museo de Huelva, Casa Colón, Sala de la Provincia y Sala de Exposiciones de la Universidad de Huelva y de entidades privadas: Caja Rural del Sur, Colegio Oficial de Arquitectos de Huelva, o Fundación Cajasol.
Huelva dispone de espacios creados por iniciativas particulares, como la Galería Espacio 0, La 13 Dadá Trouch Gallery, Sala Gaudia Fotografía y La Ecléctica.
Existen otros dedicados a fines comerciales que apuestan igualmente por el arte, como Le Petit Café, Blue Ox, La Grosera o 9 Balcones.
Y luego está Internet, las redes sociales, las apps etc, etc. No hay excusa.
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